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Le Catz du siècle

Jérôme Catz

By NEUFDIXIEME

June 19^th, 2020

Le Catz du siècle

C’était une époque foisonnante et bénie que les moins de 30 ans ne peuvent pas connaître, un cercle aux contours libertaires dans lequel s’entremêlait art, musique et glisse, répondant au nom de board culture. Une petite entreprise qui ne connaissait pas la crise. Où le sponsoring coulait à flot, où t-shirts et planches se paraient de messages plus ou moins subversifs, de logos insolents, sans que quiconque y trouve à redire, à part l’incontournable, l’intemporelle clique de réacs. Une scène riche où le Grenoblois Jérôme Catz écuma la poudre du monde en snowboard, de 1993 à 2003, avant de donner des murs blancs aux artistes qui n’avaient que des supports commerciaux sur lesquels s’exprimer. Spacejunk était né.

Un nom inspiré par un shop-galerie de Sydney et un site impossible à créer avec le .com usuel, sous peine de gros problèmes avec la NASA, propriétaire du domaine sur le net. L’espace étant à tout le monde, point de hold-up, ce sera .tv. L’image de demain sera animée, nous sommes au tout début d’internet. A la faveur d’un air du temps porteur, voici comment un snowboardeur à dreadlocks sans le bac mais avec flair et passion, est devenu une référence incontournable du street art.

ND : Quelle est ta première connexion avec ce milieu ?

JC : Je me souviens quand j’étais petit, on allait à Grand Place, et sur les murs du centre commercial, il y avait onze variations autour du Radeau de la Méduse, crée par la Coopérative des Malassis. Une fresque immense représentant une mer de frites, sur laquelle le radeau de la méduse est un steak. Un premier déclic. Je suis né en 1969, au tout début du mouvement du graffiti et à cette époque, en Europe, il n’y a rien, à part Ernest Pignon Ernest qui fait des collages, et les Malassis. Mais Grenoble est un vrai laboratoire (y est né le premier centre national d’art contemporain en dehors de Paris), un terreau culturel effervescent. Très vite, je rentre dans le milieu des sports de glisse, à 11/ 12 ans, j’ai mes premiers skates. Avec la board culture, il y a la custom culture, en plein essor, avec des magazines comme Chrome & flammes et le Pin stripping, Métal Hurlant et la BD alternative avec les Lauzier, les Brétécher…

Des sortes de cultures-mères qui précèdent le pop surréalisme, le street art et le lowbrow. A cette époque, on trouve ce genre d’illustrations sur les pochettes de disques et sur les t-shirts. Les deux seuls supports qui voyagent et peuvent devenir des références internationales. Je me souviens, à côté de chez moi, il y avait des rallyes à Solex d’étudiants et ce qui m’impressionnait le plus, c’était de voir les sérigraphies complètement barrées avec des rats qui sortaient des poubelles, toute cette iconographie américaine relié aux motorsports, rapidement associée aux sports de glisse. Les premières marques qui font la jonction c’est Von Dutch, Ed « Big Daddy » Roth. Puis, il y a le père du pop surréalisme, Robert Williams, Robert Crumb le pape de la contre-culture et de la BD alternative américaine, Jim Philipps, le designer pionnier de la marque Santa Cruz qui façonne l’image du skate. Ça, c’est la base, qui nous nourrit.

Et puis en 1982/83, le hip-hop débarque…

Et avec le hip-hop, le graffiti. En même temps, déferle une nouvelle vague de skateboards : on passe des skates très fins pour faire du slalom à des boards plus larges pour faire de la rampe puis au street. C’est le boom du skate en Europe et l’explosion des visuels. C’est la première fois qu’il y a un support potentiel à une expression artistique. Tous les 3 mois, il y a des nouveaux arrivages de déco, dans les skateshops. C’est une nourriture visuelle incroyable ! Moi, j’ai cette sensibilité BD et skate, on traine entre skateurs, puis le monoski arrive, suivi du snowboard. Il faut se rappeler ce qu’était le skate au départ : un truc interdit, où on se retrouve dans des terrains vagues avec des mecs qui graffent, qui écoutent tous la même musique. Tous ces riders partagent les mêmes cultures. Avec le recul, ce qu’on retrouve sur les boards, c’est très inspiré par le lowbrow, le street art et le pop surréalisme. Moi je grandis dans ces années-là, dans ce milieu-là, je commence à avoir des sponsors. Mais jamais dans mes rêves les plus fous, je n’aurais imaginé être un jour payé pour faire des virages dans la poudre aux quatre coins du monde !

Si vite ?

Non, avant, vers 15 ans, je commence à avoir des super prix sur les monoskis (à ce moment-là, pendant que les snowboardeurs sans carre losaient sur le bord de piste, on faisait des bosses, de la pente raide, etc), puis des contrats avec des marques de fringues. Comme je le répète souvent : on était au bon endroit au bon moment. A 19 ans je suis objecteur de conscience (le service militaire était toujours d’actualité), puis représentant de fringues de snowboard jusqu’à 23 ans.

“Je suis né en 1969, au tout début du mouvement du graffiti et à cette époque, en Europe, il n’y a rien, à part Ernest Pignon Ernest qui fait des collages, et les Malassis”

C’est la période bénie, 23-33 ans, 1993-2003 ?

C’était génial. On était parmi les premiers Européens avec Axel Pauporté à être payés pour ne pas faire de compétitions, juste pour rapporter des belles images. Aux Etats-Unis, cela se faisait déjà depuis un bout de temps. Ça s’est très vite emballé. Kamchatka, Alaska, Liban, Ouzbékistan, Chili, Caucase, tout ce qui était le plus loin et le plus exotique. On allait avec qui on voulait, là où la neige était bonne. Toujours en trip. Chaque fois qu’on partait, je grattais un article, je m’intéressais à la culture locale. De manière générale, je voyais tout ce qui se passait, tous les graphiques : en termes d’infos visuelles tout cela était extrêmement riche et précis.

Il y a de quoi faire rêver la jeunesse…

Oui, d’autant que quand la saison snowboard était finie, je prenais un billet pour partir surfer six mois en Indonésie ou en Australie. Fallait que je me pince pour y croire !

Oui, Jérôme, tu peux sourire. Tu l'as bien jouée.

“Il faut se rappeler ce qu’était le skate au départ : un truc interdit, où on se retrouve dans des terrains vagues avec des mecs qui graffent, qui écoutent tous la même musique.”

Comment se fait la bascule du snow vers l’art ?

Le twist est très simple. On sait que les carrières sportives ne durent pas longtemps. En 2001/02, je me demandais déjà si Rossignol allait reconduire mon contrat. Je ne faisais que du freeride et ces deux années-là, il n’y avait pas eu de neige. Le freestyle était bien monté entre temps et la poudreuse avait presque disparu de l’imaginaire collectif ! Quand en 2003, ça s’arrête, je me dis, je ne peux pas partir de ce mouvement-là, juste comme ça. J’avais passé 20 ans à prendre un plaisir phénoménal. Tout ce temps, j’avais été assez économe et j’avais investi dans l’immobilier à Grenoble. Ça m’a donné une capacité à travailler gratuitement. C’était presque une histoire de karma, je voulais rendre la monnaie de sa pièce à ce milieu-là. De 1993 à 2003, c’est juste le moment où le street art explose, où l’on passe d’un Shepard Fairey, inconnu en 1989 à une super star en 2003. Même chose pour Banksy, inconnu lui aussi. Il y a eu une concordance de temps très favorable.

As-tu souvenir d’un choc esthétique particulier ?

J’ai 18 ans, on est en 1987 en trip snow à Serre-Chevalier et je découvre le visuel de la pochette de Guns & Roses « Appetite for destruction ». Le dessin original est signé Robert Williams, maitrisé à la perfection ! Il avait fait ça avec de la peinture au plomb. J'ai passé des heures devant à me demander comment il avait réalisé cette merveille.

En 2003, ta carrière s’arrête et tu décides de proposer des murs blancs à ces artistes du milieu de la board culture…

Je me suis dit que c’était des gens qui n’arrivaient pas à exposer en dehors des boutiques de fringues ou des bars en station, et qu’ils méritaient des murs blancs. En France à ce moment-là, on a la chance d’avoir la marque Apocalypse crée par Régis Rolland qui a l’idée d’associer des artistes à ses snowboards. Ca apporte une sorte de récurrence visuelle, et malgré eux, ces artistes ont acquis une certaine notoriété.

“1993-2003, c’était génial. On était parmi les premiers Européens avec Axel Pauporté à être payés juste pour rapporter des belles images.”

C’est comme ça que tu découvres Nico Thomas (qui illustre cet article, ndlr) ?*

Si j’ai ouvert Spacejunk, c’est pour lui. Il a fait la première expo. C’est un super artiste, un excellent peintre. J’ai une belle collection de ses œuvres chez moi. Pour cette première expo, j’ai acheté un local en rez-de-chaussée, bien placé : il fallait que je sois à moins de 10 mn à pied de la FNAC, je voulais m’adresser aux jeunes. Je retape le local tout seul et j’ouvre Spacejunk. Dans le milieu de la glisse, tout le monde a une vision de l’espace, on est accro à ça, ça s’est imposé à moi, cette notion et ce nom.

Ça a marché tout de suite ?

Ça décolle très vite. Plein de gens viennent, beaucoup d’étudiants.

Ma vocation première, c’est de faire de la médiation, d’expliquer au public. Et puis Spacejunk n’est pas un espace commercial : à l’époque, la totalité de la vente des œuvres revient aux artistes. Je prends zéro com dessus. Cela m’a permis de rester autonome en termes de programmation artistique. Je ne voulais pas être prisonnier, me retrouver deux ans plus tard à vendre des aquarelles de montagne pour faire rentrer de l’argent.

Tu as eu des mécènes pour te lancer ?

En bon sportif, j’ai appliqué les règles que j’avais retenues des marques. On ne peut pas aller voir des gens en leur disant : vous verrez, dans deux ans, je serai super bon ! Il faut prouver son niveau. J’ai eu aussi beaucoup de chance, car j’ai gardé mon sponsor Rossignol qui est devenu mécène à hauteur de 9000 euros à l’année, ce qui me permettait de payer le loyer et les assurances. C’est aussi le moment où l’art explose sur tous les supports de sports de glisse. Le milieu est prospère. Vans, Billabong, DC Shoes sponsorisent également mes expos. Quand je frappe aux portes, les gens me connaissent, ça facilite énormément les choses. Je n’étais peut-être pas le meilleur snowboardeur, mais j’ai toujours été réglo. Toujours cette histoire de karma ! Je fais tourner les expos, le Bazoom café ouvre à Bourg-Saint-Maurice en 2005, je m’associe pour ouvrir Spacejunk à Bayonne en 2007, et Lyon en 2009. Le rythme est rapide, la période faste. Je me souviens de cet énorme projet SAS avec Rossignol sur la gamme des skis freestyle et fats. Ça tourne comme ça jusqu’à la crise de 2008. Et là, le secteur des sports de glisse s’arrête net… Et il ne s’est jamais relevé.

Comment vis-tu cette crise financière ?

En 2008, j’ai la chance d’avoir accédé à un certain niveau de reconnaissance. Par la suite, j’ai réussi à monter des grosses expos, Les Enfants Terribles à Lyon, j’ai travaillé avec la fondation EDF… J’avais aussi obtenu de l’aide des pouvoirs publics, à hauteur de 15 000 euros par an. Par contre, j’ai dû changer de modèle économique. Grosso modo, aujourd’hui, quand on tire le trait à la fin de l’année, la totalité des ventes des artistes paient la totalité des encadrements de toutes les expos. On prend entre 10% à 50% selon la notoriété des artistes, c’est du cas par cas.

“J’avais passé 20 ans à prendre un plaisir phénoménal. C’était presque une histoire de karma, je voulais rendre la monnaie de sa pièce à ce milieu-là.”

Comment s’est construite ta relation avec les artistes ?

A l’époque, je faisais neuf expos par an, un rythme de fou. Je me disais que je n’aurais jamais assez d’une vie pour présenter tous les artistes à qui j’avais envie de laisser mes murs. J’invite, je démarche. La première année, c’est uniquement français, la deuxième année, c’est plus européen, je fais des tests, je vois où je peux aller… J’ai tenté des installations un peu complexes avec Agnès Pieta, des impressions sur bâches superposées avec des néons derrière. Je n’avais pas de problèmes à explorer.

L’autre bascule de la board culture vers le street art se fait à quel moment ?

La board culture ne concernent que les esthétiques utilisées par l’industrie du snow, du skate, du ski, et du surf dans une moindre mesure. Au bout d’un moment, je me suis dit que Spacejunk ne pouvait plus se résumer à être ce Board Culture Art Center : je voulais exposer des gens qui n’avaient plus rien à voir avec cette culture. En 2008, j’ai donc enlevé les mots board culture pour ne garder qu’Art Center.

Comment toi, tu te définis ?

Commissaire d’exposition ou plus largement entrepreneur culturel. J’ai monté des centres d’art, des expos, le street art fest* en 2015, écrit un bouquin (Street Art le Guide éd. Flammarion). Et aujourd’hui je donne des cours à la fac en licence et pour certains masters. J’ai surtout envie d’éduquer.

“A l’époque où je lance Spacejunk, Le milieu est prospère. Ça tourne bien jusqu’à la crise de 2008. Et là, le secteur des sports de glisse s’arrête net… Et il ne s’est jamais relevé.”

Au début du mouvement, le geste était militant, politique…Ca a changé ?

Tu étais obligé de le faire dans l’illégalité, c’était donc de fait un geste politique. Avec l’arrivée des techniques douces, (pochoirs et collages) qui une fois dans l’espace public sont plaisantes à l’œil, on y a associé le mot street art. Ça a crée une distorsion avec les graffiti artists et les taggueurs qui se sont dit : « ils viennent d’arriver, ils n’ont pas de légitimité dans ce milieu, d’un coup, tout le monde adore ce qu’ils font et nous on nous crache dessus. » Aujourd’hui, il y a plein de gens qui se disent : « je vais faire street artist comme métier ». La démarche peut manquer de sincérité. C'est peut-être ça qui a changé.

Quelle est ta vision de la société post-covid ?

Je suis extrêmement critique sur la période que l’on vient de vivre : pour moi, c’est de l’enfumage de grande envergure. Un test mondial pour savoir si on est bien des bons gros moutons. On a réussi à déconstruire le savoir universitaire, à ne plus savoir qui croire, et donc à ne plus croire personne. Pour ma part, je vais continuer à inviter des artistes politiques, je crois à l’éducation populaire, aux regards critiques.